Phyllida Barlow, Schöpferin von „Non

Phyllida Barlow, 2022

Die britische Bildhauerin Phyllida Barlow stellte über fünfzig Jahre lang die Konventionen der Bildhauerei in Frage. Am Montag bestätigte Barlows Galerie Hauser & Wirth ihren kürzlichen Tod. Sie war 78.

Barlows Arbeit wurde von ihrer Umgebung inspiriert. Sie ist dafür bekannt, große, imposante Bauwerke aus preiswerten, minderwertigen Materialien zu schaffen. Sie nahm Pappe, Sperrholz, Gips und Zement und konstruierte Formen, die einen ganzen Galerieraum einnehmen. Die Werke blockieren, spreizen und balancieren gefährlich, und der Betrachter soll durch die Skulpturen hindurchgehen und sie aus nächster Nähe erleben können. Oftmals in industriellen oder kräftigen Farben bemalt, blieben die Nähte und die Handarbeit dieser Skulpturen sichtbar. Obwohl Barlow diese Werke als antimonumental bezeichnete, waren sie alles andere als das Gegenteil. Es handelt sich um imposante Installationen, und es sieht so aus, als könnten sie jeden Moment zusammenbrechen, sich verdrehen oder den Betrachter verschlingen. In der Gegenwart einer Barlow-Skulptur zu sein ist, als würde man in eine neue Landschaft versetzt, und sie hat die traditionelle Vorstellung davon, wie eine Skulptur aussehen sollte, wirklich in Frage gestellt.

Installationsansicht, Phyllida Barlow, „Scree“, Des Moines Art Center, Des Moines, IA, 2013

In einer Erklärung zu ihrem Tod sagte Frances Morris, Direktorin der Tate Modern: „Barlows Praxis erkennt implizit an, dass in einer Welt voller Objekte die Rolle der Skulptur und die Arbeit des Bildhauers möglicherweise weniger darin besteht, Dinge herzustellen, als vielmehr darin, eine bestimmte Art von Erfahrung zu erzeugen.“ des Werkes und der Welt, in der es sich vorübergehend befindet.“

Was Barlows Arbeit so wunderbar erlebbar machte, war ihr spielerischer Umgang mit ihren Medien. Durch die Verwendung relativ billiger und nützlicher Materialien konnte Barlow experimentieren und Dinge unvollendet und ungelöst lassen, wie man es beispielsweise mit Marmor oder Metall nicht tun kann. Die endgültigen Werke waren ausgefallen und seltsam geformt, aber aufgrund ihrer Größe und Grandiosität waren sie wunderschön und beeindruckend. In einem Interview mit ArtReview im Jahr 2010 sagte Barlow: „Meine Praxis ist ein Widerstand gegen das glamouröse Kunstobjekt“ und dass ihre Praxis „sowohl komisch als auch grimmig autoritär war, und das ist meine Beziehung zur Skulptur.“

Phyllida Barlow, ohne Titel: Sturzschatten; 2018–2019, Installationsansicht, „Sackgasse“, Royal Academy of Arts, London, Großbritannien, 2019

Barlow wurde 1944 in Newcastle, England, geboren. Als sie aufwuchs, zog die Familie nach Richmond, einem Vorort außerhalb von London. Nach verschiedenen Bombenangriffen im Zweiten Weltkrieg arbeitete die Stadt London am Wiederaufbau. Das Miterleben dieses Wiederaufbaus wurde zu einer großen Inspiration für Barlow, der die Zyklen Londons sowohl in seinen Ruinen als auch in seinem Fortschritt sah.

1960 studierte Barlow Malerei und anschließend Bildhauerei an der Chelsea School of Art in London. Aber sie empfand die Atmosphäre als männerdominiert und die Lehrmethoden der Professoren als restriktiv. Als Studentin wurde ihr der Zugang zu den Schweißwerkstätten verwehrt. Dadurch interessierte sich Barlow nur noch mehr für die Arbeit mit skulpturalen Materialien und sie begann, mit Ton zu experimentieren. In Chelsea lernte Barlow Fabian Peake kennen, einen Künstlerkollegen, den sie 1966 heiratete. Nach Chelsea wechselte Barlow an die Slade School of Art, wo sie mit neuen Materialien wie Gips, Harz, Glasfaser usw. arbeiten konnte Holz.

Phyllida Barlow TIP 2013 Holz, Stahl, Sprühfarbe, Drahtgeflecht, Baumwolle, Zement, Stoff, Lack, Installationsansicht, Carnegie Museum of Art, „2013 Carnegie International“, Pittsburgh PA, 2014

Nach ihrem Abschluss unterrichtete Barlow als Kunstprofessorin an mehreren Schulen, um ihre eigene Kunstpraxis weiter zu finanzieren. Sie unterrichtete an der Bristol School of Art in Chelsea und Brighton und zwanzig Jahre lang an der Slade School of Art. Barlows Leidenschaft für das Unterrichten in einem fortschrittlichen künstlerischen Umfeld und ihr Engagement für eine fortschrittliche Kunstausbildung inspirierten die Studenten und schufen ein unterstütztes Netzwerk von Künstlern und Studenten, mit denen sie ihre Ideen verfeinerte. Barlow unterrichtete einige der bedeutendsten zeitgenössischen britischen Künstler, darunter Rachel Whiteread, Sarah Lucas und Tacita Dean.

Barlow verwendete in ihren Arbeiten in den 70er und 80er Jahren weiterhin recycelte Materialien und suchte zunehmend nach Materialien, die in umliegenden Billigläden erhältlich waren, während sie mit neuen Techniken experimentierte. Die Künstlerin stellte ihre bahnbrechenden Arbeiten 1975 in einer Gruppenausstellung im Camden Arts Centre in London aus, doch in den letzten Jahren nahm ihre Karriere richtig Fahrt auf. Nachdem sie sich 2009 von der Lehrtätigkeit zurückgezogen hatte, hatte sie eine Einzelausstellung im Studio Voltaire in London, die die Aufmerksamkeit des Kurators Hans Ulrich Obrist erregte, der sie 2010 zu einer Ausstellung in der Serpentine Gallery einlud. Bald darauf wechselte Barlow zu Hauser & Wirth veranstaltete zahlreiche Einzelausstellungen in namhaften Institutionen und veröffentlichte Bücher über ihre künstlerische Praxis.

Sie wurde 1998 für den Turner-Preis nominiert, gewann 2006 den Hugo-Boss-Preis und wurde 2008 in die Royal Academy of Arts gewählt. 2017 vertrat Barlow Großbritannien auf der Biennale in Venedig. Sie erhielt auch königliche Anerkennung: 2015 wurde sie zur Kommandeurin des Order of the British Empire ernannt und 2021 wurde sie von Königin Elizabeth II. zur Dame ernannt.