Ein Künstler, der an den Bruchlinien zu Hause ist

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Atelierbesuch

Von Jori Finkel

SANTA MONICA, Kalifornien – Analia Sabans Studio hier, das sie vor acht Jahren von John Baldessari übernommen hat, ist immer noch voller Überreste aus den frühen, berauschenden Tagen mit niedrigen Mieten, als die Konzeptkunst in Los Angeles begann. Sie zeigt auf Kisten mit Korrespondenz und Aufzeichnungen, die Herr Baldessari, ein Pionier der Bewegung, zurückgelassen hat.

An der schmuddeligen Badezimmerwand hängt ein Geschenk, das er von einer anderen zentralen Figur, Lawrence Weiner, erhalten hat: ein Textstück, auf dem in Rot steht: „Die Spur einer vergangenen Handlung, also ein nasser Ort.“ Im hinteren Teil befindet sich noch eine kleine Dunkelkammer, die 1971 von einem früheren Bewohner, William Wegman, erbaut wurde und auch einen Basketballkorb hinterlassen hat. „Diese Jungs ziehen nie aus, sie gehen einfach“, sagte Frau Saban lächelnd.

Dann ist da noch der gezackte Riss im Betonboden, der durch ein Erdbeben verursacht wurde.Der Riss taucht in frühen Fotos und Videos von Baldessari und Wegman auf.

Jetzt hat der Riss auch Einzug in die Arbeit von Frau Saban gehalten. Das Herzstück von „Folds and Faults“, ihrer neuen Ausstellung in der Galerie Sprüth Magers in Los Angeles, ist eine Reihe drapierter und gefalteter Betonstücke, bei denen eine 1.000 Pfund schwere Betonplatte in zwei Hälften gebogen wurde, ohne sie vollständig in zwei Teile zu brechen.

„Ursprünglich habe ich über das Material nachgedacht, wie man etwas, das sich nicht verbiegt, so flexibel erscheinen lassen kann wie Papier“, sagte Frau Saban, 36, mit ihrem beschwingten argentinischen Akzent. „Aber im Rückblick sehe ich einen Zusammenhang mit Erdbeben – die Art und Weise, wie sie dazu führen, dass die Straßen in der Stadt einbrechen oder ein Boden wie dieser bricht.“

Und die Erdbebenbilder sind nicht das Einzige, was Frau Sabans Arbeit mit den früheren Mietern des Studios verbindet. Sie gilt als eine der Erbininnen ihrer drolligen Tradition der Konzeptkunst, auch wenn sie mit ihren Betonstücken, ihren Gegenstücken aus Marmor und anderen taktilen Gedankenexperimenten ins skulpturale Terrain vordringt.

„Ihre Arbeit bewegt sich an diesem Wendepunkt zwischen dem Konzeptuellen und dem Material“, sagte Michael Govan, Direktor des Los Angeles County Museum of Art. „Selbst wenn die Arbeit diese strenge verfahrenstechnische Qualität aufweist, die in die Sprache übersetzt wird, ist die erste Reaktion einfach nur Staunen. Wie hat sie diesen Stein gebogen?

„Wir schauen alle zu, was ihr als nächstes einfällt.“

Lacma besitzt bereits 17 ihrer Werke. Sie ist auch im Hammer Museum, im Museum of Contemporary Art und in den sichtbarsten Privatsammlungen vertreten: denen von Cindy und Howard Rachofsky aus Dallas, Don und Mera Rubell aus Miami sowie Maurice und Paul Marciano in Los Angeles, deren Eröffnung Die Show zeigt drei ihrer Stücke. Der Kritiker Christopher Knight von der Los Angeles Times nannte sie eine „Herausragende“ dieser Show, weil sie „traditionelle Materialien erfinderisch nutzte“.

Frau Saban erhielt ihre erste Museumsumfrage im September vom Blaffer Art Museum in Houston. Es stellte sich heraus, dass ein Spannbettlaken, das locker über eine große Leinwand drapiert war, tatsächlich aus Acrylfarbe gefertigt war. Eine perfekte Nachbildung eines weißen Baumwollhandtuchs? Nur Papier.

Die Umfrage zeigte, dass sie die Grenzen und Einsatzmöglichkeiten der Medien der Kunstgeschichte – Farbe, Leinwand, Tinte, Marmor – auf die Probe stellte, so wie ihre Zeitgenossen Walead Beshty und Wade Guyton das Innenleben neuer Technologien offenlegten.

In einer anderen Serie mit dem Titel „Markings“ gelingt es ihr, eine Schicht Emulsion von der Oberfläche eines Fotos abzukratzen und sie wie einen Pinselstrich auf einer Leinwand in der Nähe zu platzieren. Diese Arbeit wird in einer Ausstellung von Sprüth Magers zu sehen sein, die am Freitag, dem 7. Juli, in Berlin eröffnet wird, „eine sehr nerdige Show, die auf meiner Forschung zu Pigmenten basiert“, sagte Frau Saban, die die sanfte, zurückhaltende Art einer Wissenschaftlerin hat und ist zufällig mit einem Arzt verheiratet.

„Was ich tue, hat etwas Chirurgisches“, sagte sie. „Bei meiner Arbeit schneide, öffne und rekonfiguriere ich viel. Ich bin daran interessiert, etwas auseinanderzunehmen, um zu sehen, ob es ein anderes Leben haben kann.“

Sie saß an einem Tisch in ihrem Atelier vor einem großen hölzernen Webstuhl, der zum Zusammenweben von Leinenfäden und Schnüren verwendet wurde, die ausschließlich aus getrockneter Acrylfarbe bestanden. „Statt auf der Leinwand zu malen, male ich durch die Leinwand hindurch“, erklärte sie.

Mit ihrer neuen „Pleated Ink“-Serie, die in der Nähe des Webstuhls hängt, optimiert sie den jahrhundertealten Zeichenprozess. Anstatt Tinte auf Papier zu verwenden, verwendete sie Papier auf Tinte: Sie drückte lasergeformtes Papier mit großen ausgeschnittenen Bereichen auf ein Bett aus zeitungsähnlicher Tinte, die so dick war, dass das Trocknen sechs Monate dauerte. Eines zeigt eine Topfpflanze; ein weiteres war eine abgewinkelte Treppe mit in die Tinte eingelassenen Geländern.

Sie begann bereits während ihres Graduiertenstudiums an der University of California in Los Angeles, die Materialien der Kunstgeschichte zu erforschen und zu unterwandern. Sie wurde in Buenos Aires in eine berufstätige Familie hineingeboren – ihr Vater war Buchhalter und ihre Mutter eine Bibliothekarin – und sagt, dass ihre Kindheit durch den Bombenanschlag auf die israelische Botschaft dort im Jahr 1992, gleich um die Ecke ihrer Schule, unterbrochen wurde. Sie war 11.

„Es hat mich auf jeden Fall geprägt“, sagte sie. „Es war eine echte Explosion, bei der der Boden bebte, Fenster zersplitterten und dann Teile der Decke des Klassenzimmers einstürzten. Ich wurde nicht verletzt, aber an vielen meiner Freunde war Blut klebte. Und ich glaube, ein Großteil meiner Arbeit hat mit Zerstörung zu tun, aber auch mit dem Reparieren von Dingen oder dem Versuch, Dinge zusammenzuweben – oder zusammenzuhalten.“

Ein merkwürdiger Effekt: Nach der Wiedereröffnung ihrer Schule wurde dort ein erstklassiges Videolabor eingerichtet. „Die japanische Botschaft tat unserer Schule so leid, dass sie diese unglaubliche Videoausrüstung von Sony gespendet hat“, sagte sie. Als einzige Auszubildende des Labors erlernte sie grundlegende Bearbeitungs- und Kompositionsfähigkeiten, die sie seitdem anwendet.

Anschließend studierte sie Film- und Videokunst an der Loyola University in New Orleans und machte dort ihren Bachelor. Dann schrieb sie sich für ihren Master im Heim für Kunstausgestoßene ein, das als „New Genres“-Programm an der UCLA bekannt ist, und studierte bei dem stets provokanten Paul McCarthy und Mr. Baldessari, der nach wie vor ein Freund, Mentor und Quelle witziger Titel ist. (Er hat sich „Threadbare“ für ihre neue Trompe-l'oeil-Serie bei Sprüth Magers ausgedacht, das unheimlich wie Leinwand aussieht.)

Dennoch sagte sie, sie habe sich die meiste Zeit dieser Zeit orientierungslos gefühlt. „Ich war damals sehr verloren. Es war 2005 und es war ein sehr Höhepunkt auf dem Markt. Ich war überrascht, wie viele Händler in unsere Ateliers kamen, um sich Malerei anzusehen – es schien, als ob nur die Malerei zählte.“

Sie fragte sich: Wie kann ein Gemälde 90 Millionen Dollar wert sein? Was ist überhaupt ein Gemälde?

Sie sammelte über 100 Gemälde aus seltsamen Quellen, Secondhand-Läden, Werken von Kommilitonen und chinesischen Gemäldefabriken, die Nachahmungen von Picasso und Van Gogh produzierten. Anschließend zerlegte sie jede Leinwand in ihre mit Pigmenten übersäten Fäden und rollte sie zu einer einzigen, oberschenkelhohen Kugel zusammen.

„Es hatte etwas sehr Befreiendes, zu verstehen, dass Malerei nicht unbedingt dieses kostbare Ding sein muss, das an der Wand hängt – es ist nur ein Stück Stoff, Material aus dem Alltag, wie der Faden, den wir tragen.“

Die Ausstellung in ihrer Abschlussausstellung „The Painting Ball (48 Abstrakte, 42 Landschaften, 23 Stillleben, 11 Porträts, 2 Religiöse, 1 Akt)“ trug dazu bei, dass sie sich ihre erste Galerieausstellung in Los Angeles und dann 2007 eine in München bei Sprüth sicherte Magers.

Und ihr Interesse an Pigmenten führte 2015 bis 2016 zu einem Aufenthalt am Getty Research Institute, wo das wissenschaftliche Thema Kunst und Materialien war. „Meine Idee war: Könnte ich Konservierungswerkzeuge nutzen, um Kunst zu machen, anstatt Kunst zu konservieren?“ Sie sagte. Am Ende experimentierte sie mit frühen Pigmentquellen wie Azuritmineralien und Cochenille-Insekten, Quellen für satte Blau- und Rottöne. In einer Arbeit in der Berliner Ausstellung mischt sie heimtückisch ganze Käfer zusammen mit dem roten Pulver, das beim Mahlen entsteht, in Enkaustikfarbe – und lädt die Betrachter ein, ihren Prozess zu beobachten.

Im Jahr 2014 begann die Künstlerin mit der Arbeit an ihrer Serie „Draped Marble“ und entwickelte eine Möglichkeit, eine Marmorplatte über einen Sägebock zu biegen, so wie man ein Strandtuch über einen Stuhl hängen könnte. Sie benutzte einen Vorschlaghammer, um eine Falte in die Marmorplatte zu schlagen, die mit einem Glasfasernetz unterlegt war, um zu verhindern, dass die Fragmente auseinanderfallen. (Die Skulpturen aus gefaltetem Beton erforderten viel mehr Kraft und erforderten einen Kran, um den Beton zu biegen.)

Claudia Schmuckli, die die Blaffer-Ausstellung organisiert hat, bezeichnet ihre Wahl des Marmors als „extrem belastend“ und bezieht sich auf seine Entwicklung von den Tempeln des antiken Griechenlands zu den allgegenwärtigen Küchenarbeitsplatten von heute. „Ich glaube nicht, dass ihre Arbeit als offene Kritik an der Konsumgesellschaft oder der Rolle der Frau darin gedacht ist, aber sie spiegelt auf jeden Fall ein Bewusstsein dafür wider, wie Kunst vom dekorativen, häuslichen Bereich absorbiert wurde.“

Frau Saban sagte, sie sei von den meisterhaften in Marmor gemeißelten Gewändern klassischer und Renaissance-Bildhauer inspiriert worden und verwies auf die Falten des Gewandes der Jungfrau Maria, das sich zu ihren Füßen in Michelangelos Pietà in Rom bauschte. Der Künstler war beeindruckt von der außergewöhnlichen Anstrengung und dem Können, die bei der Umwandlung von Stein in etwas, das wie Stoff aussieht, zum Ausdruck kommen – „das Harte in das Flexible, das Raue in das Polierte, das Starke in das Zerbrechliche“ zu verwandeln.

„Ich liebe die Art und Weise, wie diese Künstler auf dem Unmöglichen bestanden“, sagte sie.

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